Plaza de Argilan

Plaza de Argilan

Presentación

Antes desde Londres y ahora en Vitoria-Gasteiz, Capital Verde de Europa 2012, seven sisters presenta algunas de las noticias culturales, artísticas y sociales más destacadas de la ciudad y alrededores



sábado, 7 de febrero de 2015

Oui, Je suis Charlie Hebdo

Un año más viajé al Festival de la Bande Dessinée en Angulema, Francia, el Festival más importante de cómic en Europa y con mayor proyección internacional. Aún con la noticia en mente del atentado terrorista contra el semanario satírico Charlie Hebdo me entristezco al recordar al gran Charles Wolinski, uno de los cinco dibujantes del cómic francés asesinado aquella mañana. En este atentado tres ciudadanos nacidos en la República Francesa dieron muerte a un total de doce personas e hirieron a otras once al grito de Dios es el más grande.

Tras la masacre, las preguntas que me surgen son muchas. ¿Cómo puede ser posible que tres ciudadanos nacidos en un estado laico hayan cometido esta atroz matanza? ¿cómo puede ser que una vez más la libertad de expresión, baluarte de las sociedades democráticas se vea en el punto de mira del terrorismo Yihadista cuando no del Estado a través de las leyes? ¿Qué es lo que esta sucediendo en Francia, en sus escuelas republicanas donde estudian ciudadanos de diversos orígenes con diversas creencias? ¿Cómo esta afectando la crisis económica en los barrios suburbanos de París donde viven mayoría inmigrante? ¿En qué medida afectará estos atentados en nuestra vida cotidiana?

Charlie Hebdo nació en 1969, año de las movilizaciones sociales mayormente en el mundo occidental. En Estados Unidos, la ciudadanía protestó contra la violencia y la guerra en Vietman, luchó por los derechos civiles de las minorías étnicas, concretamente la afro-americana. Las mujeres se revelaron y quemaron sujetadores en señal de protesta contra el certamen de Miss América, lucharon por los derechos en general, y la liberación sexual a través de las diferentes teorías feministas y los jóvenes bailaban ritmos hipnóticos roqueros contra la cultura americana en el Festival de Woodstook .

En Europa, La primavera de Praga, Checoslovaquía buscaba una apertura política, en París los intelectuales de la mano de Sartre, Simone de Beauvoir y Lacan, entre otros, ponían patas arriba el uso del lenguaje y buscaron la liberación del ser humano y su autonomía para vivir y decidir libremente. En España, la sociedad empezó a revelarse contra la dictadura de Franco. Hay más ejemplos pero en general, lo destacable de aquél momento histórico es que los términos de burgués, patrón, capitalismo y empresario empezaban a utilizarse como un insulto.

El semanario caracterizado por sus chistes gráficos irónicos, fuertemente ateo y con tendencia a la izquierda sufría amenaza desde que en noviembre de 2011 cambió el nombre de la cabecera Charlie Hebdo por Charia Hebdo y llevó a portada la caricatura de Mahoma que decía: “cien latigazos si no te mueres de la risa”. Un día antes de su publicación la redacción fue atacada y la web hackeada. En su momento, el Consejo de Culto musulmán francés se opuso a los ataques pero criticó la burla a su profeta.

En la exposición dedicada a Charlie Hebdo, en el Festival de Cómic de Angulema, los y las visitantes pudimos disfrutar de todas las portadas realizadas a lo largo de estos más de cuarenta años donde no dejan títere con cabeza y las tres religiones, judaísmo, catolicismo e islam son de igual manera tratadas con ironía, sarcasmo y mucho, sobre todo mucho humor. En sus portadas no solo la religión es tema a tratar, también lo son las cuestiones políticas y sociales como la libertad del aborto, la homofobia, la libertad sexual y el chovinismo francés.

En España, sabemos muy bien lo que es la censura y peor aún la auto-censura cuando se trata de las artes; cine, literatura, teatro, pintura (incluido los tebeos) sufrieron a través de las diferentes leyes surgidas durante la Dictadura que afectaron a la libertad de expresión y opinión. Por todo ello, y más que nunca Si, yo soy Charlie Hebdo, defiendo la libertad de expresión a través del lápiz, y sí defiendo los derechos fundamentales a vivir en una sociedad libre y laica. Lo del Yihadismo, no tiene cura. Nunca la tuvo el fanatismo y la cerrazón.


martes, 23 de septiembre de 2014

El Mundo Imaginal en la Novena Esfera de Norabaty Josune

Es un mundo intermedio entre el mundo empírico y el mundo abstracto que comienza en la curva convexa de la novena esfera. No es fantasía. ¿Que es? Es un mundo que comprende la figura y las imágenes con movimiento suspendidas en el mundo imaginal.

La artista Josune Rodriguez García Aka Norabaty Josune reúne en esta ocasión un conjunto de dibujos cuyo soporte es el reciclaje, la línea y la tinta en Darkablar desde el 18 de septiembre hasta el 1 de noviembre. Interesada por las teorías de Henry Corbin, islamólogo y filósofo francés y el pensamiento cosmológico irania islámica, el leit motiv de esta exposición gira en torno a la palabra mística “Alam al-Mithal” donde todas las limitaciones físicas son eliminadas y donde la imaginación ocupa su lugar.

En esta experiencia mística y filosófica se encuentran los trabajos de Josune “cada creadora entra en ese mundo y lo percibido es llevado a la dimensión imaginaria terrenal a través del dibujo, la línea y el círculo” señala. Influenciada por artistas del movimiento Pop Art, Barroco y contemporáneos como Joseph Beuys destaca un elemento de engranaje que hace que toda su obra cobre sentido, se trata de la frivolité, una variedad de encaje o pasamanería donde el hilo es transformado en tinta.

En su trabajo artístico a través de este ensamblaje de finas líneas donde el dibujo va transformando una realidad, la frivolité se convierte en un homenaje a sus ancestras, mujeres bordadoras, costureras y modistas a las que tantas veces observó cómo iban creando piezas que ella misma llevaría.

El cuerpo son los sentidos, la inteligencia la mente y el alma la imaginación”

En esta exposición veremos envoltorios como por ejemplo de pasta de dientes, perfumes, carpetas, calendarios, papel de fotografía y cartón pluma para expresar “los sentimientos de mi vida y hablar de otros artistas que me han inspirado” destaca. De esta manera habla de la ecología y la sociedad consumista en la que vivimos “no me gusta desperdiciar lo utilizado, trabajo con lo que tengo en casa. El rotulador cuando está gastado me da lo mejor”puntualiza.

Entre las exposiciones de Norabaty Josune destacan “El Reino de los cadáveres exquisitos” junto a Natalia Norabaty  en la librería de cómics Zuloa mayo 2011, en la galería Panta Rhei de Madrid con “10x10” septiembre 2011 y el Zarata Fest “eremuak” Bilbao junio 2013.
Próximamente, expondrá en la Escuela Oficial de Arte y Oficios de Vitoria-Gasteiz donde hará su definitivo homenaje a todas las antecesoras con el lema “La Frivolité y sus Reinos” desde el 12 de diciembre y hasta el 23 de enero. También podremos ver sus ilustraciones en el LP Serendipic Breakfast de la banda Gasteiztarra The Dealers.

A la exposición se suma la actividad de visitas guiadas con la artista para ello hay que contactar con Darkablar Wine&music, cantón de Santa María 5, Vitoria-Gasteiz.

domingo, 27 de octubre de 2013

"El árbol de la teoría es gris mientras que el árbol de la vida es verde” Enrique Chagoya

Siempre he tenido la curiosidad de encontrar respuesta a la pregunta de si el artista nace o se desarrolla. En todo caso, lo que me resulta interesante es fortuitamente conocer a artistas a los cuales considero “del mundo” ya que sus obras tratan de temas que conciernen al ser humano y destacan del resto, sobre todo, por su enorme humildad. Este es el caso del artista mexicano Enrique Chagoya con el cual tuve el placer de conversar el día de la inauguración de su exposición titulada Palimpsesto Canibal en el centro-Museo Artium de Vitoria.

Afincado en Estados Unidos desde hace más de una década, representa a un elenco de artistas latinoamericanos con la necesidad de exteriorizar ansiedades relacionadas con inquietudes sociales y económicas. Enrique nació en México DF en 1953, y fue su padre quien le introdujo al mundo del color y del dibujo. En 1975 comienza a estudiar Economía Política en la Universidad de México, una experiencia crucial ya que conoce a profesores que le instruyen y le hacen volverse crítico con la realidad. Como alumno consigue trabajar en el desarrollo de proyectos rurales que le marcarán para el resto de su vida. 


Nada es blanco y negro”
Para Chagoya, “la realidad desde la economía no se entiende ya que no se puede hacer predicciones económicas con todos los cambios que acontecen en el mundo” Profundizando, para este artista es imprescindible no caer en ideologías "ya que retrasan el cambio y el cambio buscado se encuentra en las necesidades"Harto de amenazas es cuando decide abandonar la economía por la ilustración y el diseño y emigra a Estados Unidos. En 1980 estudia arte en el Instituto de Arte de San Francisco y en la Universidad de California.

Su trabajo artístico constituye una amplia variedad de litografías, dibujos y tiras cómicas donde el contexto político, religioso y cultural es un referente en el arte contemporáneo. Casi siempre en clave de humor, su obra ha creado una gran controversia, como la expuesta en el Museo de Arte de Loveland, Colorado, en octubre de 2010 donde su edición limitada de 30 litografías titulada “Las desaventuras de los caníbales románticos”  fueron destruidas por una mujer por considerarlas blasfemas. 

Su obra se encuentra en museos tan importantes como el Whitney, MoMA y El Metropolitan de Nueva York, y el Instituto de Arte de Chicago, entre otros. Actualmente es profesor de Arte e Historia en la Universidad de Stanford.



martes, 2 de abril de 2013

Elena Aitzkoa Reinoso: "Yo coso en el estandarte unas flores remendadas"

Elena Aitzkoa Reinoso es una artista con mucha fuerza que se deja fluir como el rumor del agua en el río. La encuentro por primera vez trabajando en una de las salas del Museo Artium ataviada con ropas propias de artista en estudio. Me saluda con una gran sonrisa y una alegría de vivir desbordante y me cuenta qué es lo que está haciendo.  Está trabajando en Mujer Primitiva un conjunto de de trabajos personales desde la Escultura, pasando por la Perfomance, el Dibujo, Collage, y Acción mucha acción donde la protagonista es ella y su mundo particular de ver la vida y el arte. 

Mujer Primitiva forma parte del programa anual Praxis, comisariado por Blanca de la Torre como módulo alternativo a las exposiciones del Museo. El concepto DIY (Do It Yourself) es un laboratorio de ideas, un taller experimental donde los artistas desarrollan su trabajo a jornada abierta. Por eso es fácil poder seguir el trabajo de la artista e incluso poder hablar con ella. 

Elena Aitzkoa nos cuenta muchas cosas, entre ellas la historia de una vida que comienza con recuerdos de infancia, travesuras y transformaciones en Apodaka, el pueblo donde la vio crecer. Después llega el Amor y el Arte como la primavera cada año. El sentimiento, y las ganas de vivir lo invade todo. Todo huele a fresco, y la poesía es una herramienta para transmitir todo con pocas palabras. 

"Bienvenidos al principio de barro, jardín o cueva donde la mujer emerge del jarrón que crea y llena los cuencos con sopa primitiva. No hay espacio para el vacío, No hay vacío para la nada" 
poesía de Elena Aitzkoa

Próximas performances: Nuestro amor nació en la Edad Media, Viernes 19 de abril a las 20.00h y Metopas soleadas en Viernes 10 de mayo a las 20.00h (Sala Praxis). Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

viernes, 29 de marzo de 2013

Rodaje de la película "Baile en el Sindicato" en Maroño, Alava

“Baile en el sindicato” es una película dramática de género bélico ambientada en la Guerra Civil Española. Dirigida por Fran Longoria y con guión escrito por Sergio Balchada, el proyecto independiente surge tras la producción y rodaje de varios cortometrajes entre productora INCROMEDIA de Bilbao y la Asociación Sancho de Beurko, Bizkaia.

Según el director, Baile en el Sindicato” pretende ser una nueva visión sobre la guerra desde una perspectiva de género bélico, y acción distanciándose del dramatismo y el partidismo de las producciones al uso sobre la contienda. Por esta razón: “la película tiene más acción, historia y elementos propios del género bélico” puntualiza Longoria. La película se encuentra en fase de rodaje previsto hasta junio, con intención de realizar su estreno en el próximo mes de octubre.

"Baile en el sindicato" retrata un invierno, el de 1936 a 1937, y un frente, el Frente Norte vizcaíno-alavés. Rodada en la localidad alavesa de Maroño, Milicianos de la CNT llegan al pueblo con el objetivo de reforzar las defensas ante el inminente avance las columnas de requetés; soldados carlistas adeptos a la causa de los sublevados. Alicia (Estívaliz Orbe) una miliciana anarquista, entablará una estrecha relación con Rosarito (Cintia León), una chica del pueblo que intentará sobrevivir a una guerra que cambiará su forma de vida para siempre.

viernes, 14 de diciembre de 2012

FERIA DE FOTOGRAFÍA VIPHOTO ARGAZKI AZOKA


La sociedad Alavesa de Fotografía ha organizado por primera vez en Vitoria, una feria de fotografía como soporte artístico en el Palacio de Congresos Europa. Obras y artistas se encuentran en este marco incomparable frente a unos visitantes que tendrán la oportunidad de poder comprar las obras mientras conocen a los creadores.

En esta ocasión, la feria cuenta con la participación de catorce fotógrafos que previamente fueron seleccionados por medio de un jurado especializado compuesto por Blanca de la Torre, conservadora en el Centro Museo de Arte Contemporáneo Artium de Vitoria-Gasteiz, Javier Gimeno Marínez-Sapiña, responsable de la Galería Photo Gallery 20 de Bilbao e Iñigo Beristain, artista y fotógrafos. En la muestra colaboraron el departamento de Cultura del Gobierno Vasco, Diputación Foral de Alava y Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz.

lunes, 11 de junio de 2012

El proyecto artístico TESTIMONIES del artista Lorenzo Belenguer

¿Qué relación quieren tener los londinenses con los Juegos Olímpicos? Esta es la pregunta principal que Lorenzo Belenguer, Valencia (1970) ha cuestionado a deportistas y testigos de las Olimpiadas de Londres 1948 y 2012. El proyecto cultural TESTIMONIES se basa en los testimonios de los que fueron y serán protagonistas en los Juegos Olímpicos y Paralímpicos el próximo verano en la capital Inglesa. Una idea con presencia en la web y las redes sociales como facebook, vimeo clickr y twitter.

TESTIMONIES tiene una propuesta y un único objetivo, la intención de convertir los relatos y opiniones en instalaciones sonoras distribuidas por diversos espacios públicos. Algunos de estos lugares son: La nueva Universidad de las Artes en King's Cross, el Centro Cultural de Willesden Green, Hyde Parke, Trafalfar Square, la ciudad Olímpica de Strafford, Watham Forest y Woolwich. La finalidad del proyecto es la de fomentar la conversación y crear un legado histórico entre los dos acontecimientos históricos. 

Olimpiadas más participativas

Para el equipo, TESTIMONIES es un proyecto excelente que conecta a la gente local con uno de los años más emocionantes en la historia de Londres. Así mismo, la idea contribuye con la creación de un archivo de la ciudad, sus habitantes, deportistas y las Olimpiadas. En este sentido, el museo y archivo de Brent, colaboradores del proyecto, estan satisfechos de poder mostrar parte del material que poseen relacionado con los Juegos Olímpicos de 1948, ya que en ese año los juegos tuvieron lugar en en el antiguo estadio de Wembley (Brent, Londres).

Lorenzo Belenguer, considera que la iniciativa une el arte con la historia porque las experiencias y testimonios de londinenses y deportistas tienen un lugar más importante en la experiencia de los juegos. “Al darle voz a Londinenses a través del proyecto estamos ofreciendo la posibilidad de tomar parte en este legado histórico y de compartir sus experiencias acerca de los próximos juegos” concluye Belenguer. El proyecto seleccionado de entre otros 350 comenzó su andadura en marzo de 2010 y finalizará en octubre de 2012.


viernes, 30 de marzo de 2012

El Tiempo y la Urgencia en el Guernica de José Ramón Amondarain

El proyecto Tiempo y urgencia (Guernica) del artista donostiarra José Ramón Amondarain es el proceso creativo sobre el Guernica de Pablo Picasso. Partiendo de las imágenes que la fotógrafa Dora Maar realizó mientras el artista trabajaba en París, Amondarain realiza un estudio minucioso del cuadro para crear una gran instalación repartida en ocho salas en Artium. La muestra permanecerá hasta el próximo 2 de Septiembre.


El comisario de la exposición, Daniel Castillejo ha querido dejar muy claro que las personas interesadas que acudan a Artium no verán el Guernica sino un análisis del mismo. Se trata de una obra-instalación comprendida en 8 lienzos realizados en gouache a escala 1: 1 de 8 fotografías. La exposición coincide con dos momentos, el aniversario de la creación de Artium, Museo Vasco de Arte Contemporáneo y el 75 aniversario del bombardeo de Gernika.


El Guernica fue un encargo que el Gobierno de la República Española le pidió a Picasso para la Exposición Internacional de París en 1937. El artista trabajó durante un mes sobre el bombardeo que la Legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana realizó en la villa Vizcaína de Gernika, el 27 de abril de 1937. Un suceso que indigno, no solo al autor del colosal lienzo sino también, al mundo entero. Hoy es sin duda una de obras más importantes del siglo XX que representa el horror de la guerra.

viernes, 23 de marzo de 2012

"El invierno del dibujante" de Paco Roca en Zuloa

Zuloa, la librería especializada sobre cómics e ilustración situada en la calle Correría, ha inaugurado una exposición sobre la novela gráfica de Paco Roca titulada El invierno del dibujante. La muestra consta de 23 paneles explicativos narrados por el autor, información recopilada durante un año y medio para crear la obra, y 11 originales del álbum gráfico. Las personas aficionadas e interesadas podrán disfrutar de la exposición desde el 23 de Marzo hasta el 23 de Mayo.


El interés de la exposición, no solo esta relacionado con el proceso creativo del autor, sino también porque explica la situación de los dibujantes en la España de finales de los años 50. Cuando ser dibujante era un oficio, Josep Escobar, Guillermo Cifré, José Peñarroya, Eugenio Giner y Carlos Conti cinco excepcionales dibujantes que trabajaron para la Editorial Bruguera, la empresa más importante de tebeos, intentaron sin futuro crear su propia revista, llamada Tío Vivo. Hasta principios de los ochenta, los dibujantes trabajaban sin derecho a mantener los originales, y lo que era peor, no tenían derecho a ser autores de su propia creación, cobraban por página realizada y trabajaban de sol a sol. Lo cuenta Antoni Guiral en el prólogo y el mismo autor en las páginas de su libro.


El invierno del dibujante es un homenaje a los grandes creadores de las más famosas tiras realizadas en la España de la dictadura. Cuando el hambre apretaba el cinturón, la ilusión y la felicidad se esgrimía en las páginas de las historietas donde se encontraban personajes como Carioco, Tribulete, Carpanta, el inspector Dan o don Pío.

Paco Roca es Premio Nacional de Cómic 2008 con otra de sus obras Arrugas (2007) con la que ha recibido el premio al mejor guión, mejor álbum y mejor obra española del Salón del Cómic en Barcelona. Recientemente, la obra adaptada a cine fue galardonada con el Goya a la mejor película de Animación.

domingo, 29 de enero de 2012

Regina Jose Galindo: "quiero que mi obra se entienda sin dar una imagen de pena latina"

Artium, Museo de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz ha inaugurado la exposición “Piel de Gallina” de la artista Regina José Galindo (1974 Ciudad de Guatemala). La artista visual que utiliza su cuerpo como herramienta discursiva quiere ante todo hacer una “apología de la vida”.

Regina Galindo es como se diría una artista de raza. Apasionada de las letras, es a través de su creatividad como publicista, cuando en 1999 decide tratar algunos de los temas más controvertidos en la sociedad actual como, la violencia, la tortura, el femicidio (violencia extrema de asesinatos contra mujeres) el colonialismo, la inmigración ilegal, la muerte versus-vida, y el desnudo entre otros. Nació en mitad de un conflicto en uno de los países más violentos del mundo, ciudad de Guatemala, por eso “me interesa el valor de la vida, y mucho menos la crisis. Hay que mirar la vida desde un punto de vista más realista” declaró la artista el día de su presentación en Artium.

Con “Piel de Gallina” Regina José hace toda una declaración de principios. Mediante sus performance quiere mostrar a la sociedad que con muy poco se puede transformar la conciencia de las personas y ver la historia desde otro punto de vista. Para su presentación en Vitoria, eligió una cámara refrigeradora mortuoria en la que permaneció desnuda y en silencio hasta que el visitante abre la puerta para comtemplar como su cuerpo está con la piel de gallina. Para la artista, estar en silencio es mucho más enriquecedor que el momento en el que la puerta se abre “la vida es difícil cuando cargas con las energías de las personas” puntualiza.

La exposición cuenta con cinco salas; en la primera Lo voy a gritar al viento de 1999, la artista está colgada de un puente en Ciudad de Guatemala desde donde grita sus poemas. En la segunda sala, el cuerpo es la metáfora para describir la piel del que tortura y del que es torturado. “O vuestras armas o mi caparazón” matiza la artista en una de sus obras donde aparece desnuda dentro de un caparazón blindado que es apaleado por voluntarios. La idea de la tortura continua en la siguiente sala donde el cuerpo de Regina es físicamente maltratado "para entender la muerte de los otros hay que acercarse a la muerte de uno mismo" explica. Por último, en la sala principal el tema del colonialismo esta patente. La artista trata de reconstruir la historia a través de una serie de ficciones.

Regina quiere ser crítica y responsable a través de su cuerpo como metáfora “soy pequeña y frágil completamente diferente a lo que en realidad soy, una mujer fuerte. Quiero que mi cuerpo sea como un lienzo en blanco y crear un arte visual con el mínimo de elementos”. En Guatemala, un país donde no existen estudios artísticos ni mucho menos apoyo institucional, los artistas son vocacionales y comprometidos. Piel de Gallina estará abierta hasta el 1 de mayo de 2012.




domingo, 23 de octubre de 2011

Phillipe Le Guay director: “Las actrices a veces parecían que se salían de la cámara"

El Festival de Cine Español en Londres presenta el estreno de la película hispano francesa, Las mujeres del sexto piso /“Les femmes du 6ème étage” dirigida por Phillipe Le Guay en el cine Lumiere del Instituto Francés.

The Spanish Film Festival/ El Festival de Cine Español, lleva dedicando esfuerzos desde 2005 para presentar una selección de lo mejor del cine español en Londres. Tristana Media esta detrás de este proyecto que apuesta no solo por los estrenos, sino también por lo último en cortos, proyectos de animación, y la ocasión de ver y preguntar a muchos directores y directoras de cine que vienen a las presentaciones. El programa lleva trabajando desde hace dos años en un apartado de cine hecho en el País Vasco y Cataluña.
Las mujeres del sexto piso, Son mujeres españolas inmigrantes. Tienen mucho sentido del humor y solidaridad entre ellas y trabajaron duramente en casas de burgueses en el Paris de los años 60. Así son los personajes que dan vida Carmen Maura, Natalia Verbeke o Lola Dueñas en la última producción hispano-francesa “Les femmes du 6ème étage” dirigida por Philippe Le Guay.

La emigración fue una realidad durante la situación política y económica de España en los años 50 y 60. La película, en clave de comedia describe la vida de las mujeres trabajadoras en sus relaciones laborales con los patronos en la Francia de De Gaulle. Entonces los emigrantes españoles salían a cientos desde las estaciones de trenes y autobuses con solo una maleta de cartón, en busca de un trabajo para poder alimentar a sus familias en España. Paris fue el destino predilecto para muchas de ellas. En este marco se mueven los personajes de la película, un grupo de españolas que viven en el último piso del edificio aburguesado donde trabajan como sirvientas.

Con buen hacer, las mujeres pronto encontraban trabajo. Y así, con esa energía, unas se ayudaban a otras, y poco a poco tejían una red solidaria que enviaba mucha ayuda. Por otro lado, la clase social que representa el patrón del piso, Monsieur Joubert, es el típico burgués acomodado y muy digno, casado, con dos hijos que el fondo está harto y aburrido de tanto cliché social. Quiere liberarse.

Aunque llevar a cabo la película tuvo un largo proceso, mereció la espera. El rodaje de 8 semanas de duración es para el director lo mejor de la experiencia y sobre todo “por el descubrimiento de tanta buena actriz junta” comentó el director Phillipe de Guay, el día de la presentación.

Las mujeres del sexto piso son indestructibles y saben lo que quieren. Las actrices saben perfectamente que tipo de mujer están interpretando y eso se siente en la película. Que la tortilla de patata no falta, sería atípico, tampoco faltan los clichés del ser español visto por un francés Burgués. Pero tópicos a parte, el director Philipe Le Guay habla de algo más sutil que es la solidaridad en tiempos difíciles. Es un film muy recomendable para todo tipo público y edades sin discriminación.

martes, 30 de agosto de 2011

Hit the rock with Michael Clark, Th, Part II

Here we are again! It is one year now when I collaborated as a non-dancer with Michael Clark Company. Today, with the premier show Th, Part II the scenario has change at Tate Modern. The setting of stage, seating, non-dancers, light, music, costume and choreography brings a reworked idea about alienation, the book 1984 written by George Owen, and the totalitarianism in which Michael Clark has been working on. The non-dancers are more or less the same as last year and majority of his conditionals professional dancers like Kate Coyne, Melissa Hetherington, Oxana Pancheko Harry Alexander, Benjamin Barvis and Simon Williams are still dancing in the company.

Michael Clark has created a 10-piece program set to songs by David Bowie, Kraftwerk, Pulp and Funkadelic. Music, choreography and light to create a show that has a lot of autobiographic. The professionals dancers dressed in Stevie Stewart's black and white all-in-ones, and later in black and silver were dancing and reproducing acrobatic steps, while Charles Atla's lighting pointing them out from the floor. This is the second experience to Michael Clark Company's public residency at Tate Modern. Last summer the public were able to watch the coreographic process by the bridge in the Turbine Hall.


His beginnings
Michael Clark (Aberdeen 1962) is dancing since he is four years old. He began with the traditional Scottish dancing. In 1975, he started his studies in the Royal Ballet School of London and in 1979 danced in Rambert Ballet. During this time, he joined a summer residency in Merce Cunningham Company and John Cage who led him to meet and work with Karole Armitage. Armitage has been also very important to Michael Clark, because he presented him Charles Atlas who has been collaborating with since them.

Michael Clark has been always recognized by his alternatives and radical projects. He dance, innovate, interpret, and create diverse atmospheres, surrealist and fantastical. He is experimenting, absorbing and creating since the 80’s. A time that really like and has been an important reference for his job. Punk scenario brought him the possibility to act as a team in the company of fashion designers, Body Map, artists Leigh Bowery, Trojan, recently Sara Lucas and Peter Doig, The Fall, Atlas, and including international top model Kate Moss.

In collaborations with his friends, he created 16 original pieces in 1984. By this time, he launched his first own Michael Clark Company with two projects; Do you Me? I did and New Puritan. The video Hail the New Puritan in collaboration with Charles Atlas was the beginning of his career into film and video. In 2001 has created with the visual artist Sara Lucas, Before and After The Fall. When in 2005 Michael Clark became an Artist Associate of the Barbican Center, London, embarked on a three years adventure called Stravinsky and in which his pieces O (1994) and Mmm...(1992) reworked for this project. With the final part of the trilogy by Igor Stravinsky, he presented I Do, The Stravinsky at the Lincoln Center, New York in 2009. Recently, the company has been on tour internationally with his latest Project, come been and gone to great critical acclaim.







sábado, 23 de julio de 2011

Jornadas de Teatro Español en Londres

Desde Junio 2006, Plácido de Editorial Caos (Madrid) selecciona tres obras de tres autores del Teatro contemporáneo español para representar en Londres. Cada pieza teatral es traducida del español, catalán, o gallego al inglés por notables traductoras. Y Rose Bruford College, una de las mejores instituciones de Teatro y Performances de Inglaterra, se encarga de buscar actores para la representación de la obra.
Este año, los autores seleccionados fueron Paco Bezerra con Inside the Earth/ Dentro de la Tierra (2006), José Sanchis Sinisterra The hugging machine/ La máquina de abrazar (2002) y Mercé Sarrias In Defence of the Albino Mosquitoes/ En defensa dels mosquits albins (2004). La jornadas se celebraron desde el 31 de Mayo al 3 de junio en el Rose Bruford College y en The new Diorama Theatre. La experiencia es única, y apta para amantes del teatro en estado puro. Hay que tener en cuenta que los actores y actrices reciben el guión tan solo unos días antes de las representaciones dialogadas. Después de cada representación hay un diálogo entre directores, actores, traductores y espectadores para analizar y comprender mejor la obra.


Dentro de la tierra de Paco Bezerra (Almería 1978) juega con una estética teatral contemporánea para dar sentido a la obra y hacer una distinción entre; realidad, las historias y los sueños. Dentro de la tierra trata de las condiciones humanas y laborales de quienes trabajan y viven en una de las industrias de cultivo masivo de Europa en Almería, España. Paco Bezerra es Premio Nacional de Literatura Dramática 2009. Traduce, Sarah Maitland.


En Defensa dels mosquits albins, es una comedia sobre los dramas cotidianos de una mujer de 40 años, bióloga, y madre separada de una adolescente en revelación. Marta trabaja para el Departamento de Medio Ambiente en el proyecto de una gran carretera que atravesaría una zona natural. Pronto, se dará cuenta que su ex marido está detrás de las protestas contra el proyecto. Al final, se ha olvidado de sí misma, y será a través de su proyecto de los mosquitos albinos, como su vida cobra sentido. Escrita por Mercé Sarrias (Barcelona 1966), Accésit al Premio María Teresa León (1996), traduce, Laura Melcion.


José Sanchis Sinisterra (Valencia 1940) escribe este drama La máquina de los abrazos, con ciertos visos de complicidad cómica. La obra trata de una niña autista, Iris Silva que se encuentra con una bióloga renombrada, Marta, en una conferencia sobre botánica. Pensamos que vemos el mundo pero lo único que apreciamos es una ventana con la que miramos a través. Alf final del túnel se atisba la luz. El silencio importa lo mismo que las palabras. Sinisterra ha recibido entre muchos otros Premios, el Premio Nacional de Literatura Dramática 2003.

martes, 12 de abril de 2011

La fuerza creativa de Joan Miró en Londres

El museo de arte contemporáneo Tate Modern presenta por primera vez una retrospectiva del pintor catalán Joan Miró (1893-1983). La muestra está compuesta por 150 pinturas, dibujos y esculturas para explicar la vida y obra de uno de los artistas más famosos del siglo XX. La exhibición ha sido organizada en conjunto por Teresa Montaner, conservadora jefe de la Fundación Joan Miró de Barcelona, y por los comisarios de la Tate; Matthew Gale, Marko Daniel y Kerryn Greenberg. La muestra se podrá ver hasta el próximo 11 de septiembre.


Joan Miró está considerado como precursor del arte abstracto expresionista pero sobre todo le caracteriza una particular visión del lenguaje plástico así como su compromiso político y social. En sus pinturas, la maestría de los colores primarios y los símbolos representan ideas y sentimientos relacionados con el tiempo que le tocó vivir. La exposición hace un recorrido de los más de sesenta años de su esplendida carrera y comienza con su etapa más realista donde el campo y la masía son protagonistas La masía 1921-1922. Su experiencia surrealista Una estrella acaricia el pecho de una negra (poema pintado) 1938 y los trabajos a favor de la República durante la Guerra Civil son una serie de grabados y carteles donde el simbolismo y color se acentúa Naturaleza muerta con zapato 1937. En palabras del curator Marko Daniel se puede hablar de Miró como un artista político aunque "no es activista, sino que fue testigo de unos acontecimientos y no tuvo otra posibilidad de escapar".


Recluido durante la dictadura en su casa de Mayorca trabaja durante los sesenta en unas obras marcados por la exploración de la abstracción del color y la forma. De esta época pertenecen las obras Azul I, II, III y pinturas Murales I, II, III donde la simbología típica que le caracterizó en otros años desaparece para plasmar sensaciones de color. Con el tríptico La esperanza del condenado a muerte 1974 hace un homenaje al último ejecutado de la dictadura, el anarquista Salvador Puig Antich. "La obra tiene una dimensión mucho más amplia en cuanto habla de la condición humana y de su propia condición como mortal" aclara su curator Daniel.


En su última etapa la destrucción del lienzo adquiere un mayor significado de compromiso social, Daniel explica que no se puede reducir sus elementos a un significado ya que "hablaba de la fuerza creativa e intentaba destrozar el objeto de arte, lo material como síntoma de algo que se había convertido en valor económico". Su ataque a lo comercial se manifiesta en su serie Lienzos Quemados 1973 donde quería demostrar una integración con la naturaleza y el mundo alrededor.
La exposición termina con tres esculturas que son tres objetos de labranza Su majestad, el Rey, la Reina y el Príncipe y el tríptico Fuegos artificiales I, II, III de 1974 para dar una idea al visitante "sobre la esperanza y posibilidades que veía en la vida" afirma Marko Daniel.

lunes, 4 de abril de 2011

ELLAS CREAN, MUJERES DIRECTORAS EN EL CINE ESPAÑOL

El ciclo de cine Espacio Femenino en el Instituto Cervantes de Londres trata de derribar barreras para mostrar que las mujeres también han trabajado en ámbitos tradicionalmente ocupados por hombres. La tercera edición bajo el título Ellas Crean presenta una muestra de largometrajes, cortometrajes y óperas prima de mujeres directoras y productoras en el cine Español. La presentación y conducción del ciclo fue a cargo de Isabel Santaolalla profesora del Centro de estudios Hispánicos de la Universidad de Roehamptom (Londres).


Para situar en la historia a las mujeres directoras que produjeron y dirigieron cine en España, primero hay que delimitar el tiempo de producción definido en tres fases: la II República (1931 – 1936), la dictadura 1936/1939 hasta 1975 y por último la transición a la Democracia y Constitución Española. Asi es como durante los treinta años que aglutina la fase de la dictadura, se encuentran dos tipos de estudio de cine muy diferentes, CIFESA (Compañía Industrial Film Española Sociedad Anónima) y Filmófono. El primero claramente de carácter conservador y católico cuyo director es Florián Rey y el segundo Filmófono de valores liberales y sociales cuya productora pertenece a Luis Buñuel.


En esta época destacan las primeras directoras, entre ellas se encuentran Rosario Pi (Barcelona 1899 – Madrid 1967) directora de “El Gato Montés” (1935) y productora de Star Films y Ana Mariscal (Madrid 1923-1995) actriz, directora y productora de cine Bosco Films. A Ana Mariscal se la ha relacionado con el franquismo aunque dentro de su filmografía nos encontraríamos con perlas como "El camino" 1963.
Al final del Franquismo destaca Pilar Miró (1940-1977) con películas como "Gary Cooper que estás en los cielos" (1980) un film que trata de la dificultad de una mujer para cambiar su vida personal con profesional. Otras directoras son; Josefina Molina (1936) "Esquilache" o Cecilia Bartolomé (1943) con "Vamos Bárbara".


Durante los 90 aparece una ola de nuevas directoras de cine que disfrutan de la ley Miró con la cual se trata de apoyar a autores noveles. La época se rige por un cambio generacional y social que con el start system alimenta el auge de nuevas creadoras en la industria audiovisual. Es así como se encuentran; Isabel Coixet, Gracia Querejeta, Iciar Bollaín, Azucena Rodríguez, Dunia Ayuso, Helena Taberna.


A la hora de hablar del cine de mujeres siempre aparece recurrente la pregunta de si existe una estética femenina. Teresa De Lauretis, teórica postestructuralista y cinematográfica italiana, afirma que precisamente esta cuestión encasilla a las directoras. Por otro lado, para las mismas directoras hablar de una estética femenina tampoco es aceptable. En cuanto a las líneas argumentales y temáticas, antes la mujer estaba relacionada con el hombre pero ahora “va por libre, son independientes y a la hora de insertarla en la industria cinematográfica se encuentran infra-representadas” afirma Santaolla. Por ese motivo se creó CIMA Asociación Cinematográfica de Mujeres en España en 1998, donde además de promocionar el cine hecho por mujeres se realizan estudios de cine.


En el Cine Contemporáneo se encuentran cortos de Isabel Ocampo, Juanas Macías, Amanda Castro y Mercedes Sampietro. En largometrajes Ella es matador (2009) de Gemma Cubero y Celeste Carrasco, Alcanzando Sueños (2007) de Beatriz Pérez Martín, La buena nueva (2008) de Helena Torres y Zahira: lo que florece de Nina Rosenblum (2004).

martes, 22 de marzo de 2011

Land In Focus presenta Egypt In Focus

Land In Focus es una organización sin ánimo de lucro formada por voluntarios amantes del cine. Su principal misión es organizar eventos culturales de regiones poco representadas en la exhibición cinematográfica comercial del Reino Unido. El próximo evento tratará sobre cortometrajes Egipcios premiados internacionalmente. Tras los cortos habrá un espectáculo de fotografía y música egipcia en directo. El programa será el próximo 7 de Abril a las 19.00 horas en el centro cultural Rich Mix de Londres y es gratuito.

La organización nace en Octubre de 2009 de la mano de Jesús Mateos fundador y director de la organización. Al proyecto se unen después; Alex Hands (Director Artístico), Caritta Thornton (Productora), Minna Jyvala al diseño de la website y Marta Rodríguez programadora de algunos eventos culturales. El propósito central de los eventos son los cortometrajes de regiones como Latino América, Asia y Europa del Este.


En cada uno se crea un programa de entre una y dos horas con películas realizadas por directores nativos del país que presentan. Además, cada evento incluye una introducción de un experto en la cultura y cine de ese país. De esta manera, explica su director “brindamos a jóvenes talentos una plataforma en Londres para mostrar sus obras”. Por otro lado, ofrecen una vía para que de una manera divertida e informativa “nuestra audiencia pueda tener una toma de contacto con el cine y la cultura de países de difícil acceso”.

El primer evento fue sobre México, un proyecto que pudo ser factible ya que Jesús colabora con el Discovering Latin America Film Festival (DLFF). El segundo versó sobre Estonia y fue más fácil, “porque trabajamos con su embajada en Londres y con el Estonian Film Foundation” expone Jesús. Luego llegó Vietnam In Focus. Cuando decidieron tratar Egipto, todavía no había estallado la revolución y como apunta su fundador, “necesitábamos presentar a un país africano, y pensamos que Egipto era una opción interesante debido a su tradición cinematográfica muy poco conocida fuera de sus fronteras”.

Egypt In Focus tiene programado un espectáculo multimedia completo que convierte a la cita en un evento imprescindible para los amantes de Egipto. Por un lado, la introducción correrá a cargo del profesor de Cine Árabe Dr. Marlé Hammond del Colegio de Estudios Orientales y africanos (SOAS). Por otro, el evento se amplía con una performance de fotografía y música en directo.

Por primera vez, y de ahora en adelante Land In Focus añade a la sesión cinematográfica las notas de músicos. En esta ocasión, se reúnen cinco célebres músicos egipcios; Merit Ariane Stephanos (compositor y cantante), Abdul Salam Kheir (cantante y virtuoso del instrumento Oud), Ibrahim El Minyawi (percusión), Gamal Awad (compositor y acordeonista) y Emile Bassili violinista que llegó a tocar con Oum Kaltum, la gran cantante egipcia de todos los tiempos.

Para descubrir algunas de esas diferencias entre países y explorar la alternativa de jóvenes cineastas nada mejor como apuntar en la agenda los eventos confirmados de Land In Focus para el 2011. Así es como el 4 de Mayo Land In Focus colaborará en el East End Film Festival de Londres con el evento Baltic Experimental (Estonia, Letonia y Lituania). Después vendrán Perú In Focus, Slovenia In Focus e Indonesia In Focus todos ellos en el centro cultural Rich Mix.

viernes, 18 de febrero de 2011

Alba Londres, cultura en traducción

Alba Londres es una nueva revista de literatura para crear nexos entre la cultura hispánica y el resto del mundo. El proyecto originariamente se creó en Paris por el escritor y editor Guillermo Bravo (Argentina) en 2008 y se extendió después a Beijing con Alba Pekín. En Londres la encargada de llevar el proyecto es Jessica Pujol (Barcelona) y su primer número salió a la calle en Febrero.

El principal interés de Alba no solo se limita al arte, música y literatura sino que “reune esfuerzos dirigidos a encontrar y publicar diferente tipos de material que por lo general necesitan más difusión de la que tienen” señala su directora en Londres. Vivir en un país que no es el tuyo lleva a la necesidad de crear lazos de interés mutuos para sentir que eres parte de este país “para comunicar nuestra cultura, y explicar con más o menos gracia nuestras tradiciones” afirma.

Mientras que el director de Alba Paris y Alba Pekín Guillermo Bravo comenta que la versión francesa surgió como una posibilidad de traducir y publicar a nuevos autores “además de investigar sobre la relación de una cultura “local” (Francia en ese caso) y una cultura “extranjera” (cultura hispanoamericana)”.
Por otro lado, Alba Pekín está muy relacionada con Alba Parísdonde existe una gran colaboración aunque son dos equipos independientes” comenta su director. Alba Pekín es la primera revista bilingüe español-chino de China.

Alba Londres es una revista cultural con 120 páginas que se publicará dos veces al año. Cuesta 5 libras y se vende principalmente por internet. Cualquiera que este interesado puede mandar su propuesta de colaboración bien sea en formato de de artículo o entrevista a jessicapujol@hotmail.com o de poesía y traducción a richie_fire@hotmail.com.

www.albalondres.com

martes, 15 de febrero de 2011

JAVIER CERCAS, Spanish writer: “The Spanish coupe d’ teat in 1981 was the conquest of the Democracy”

Javier Cercas in association with Instituto Cervantes came to London to launch the translation into English about his latest book "Anatomy of a moment". The presentation was chaired by historian Antony Beevor, author of "The Battle for Spain", at SouthBank centre.

Javier Cercas imagines in his latest book a remarkable event at the transition of the Spanish Democracy. "The Anatomy of the moment" tells about the political coup of 23 February 1981 when Lieutenant –Colonel Tejero and his civil guards burst into the new Spanish Parliament with guns in their hands saying “todo el mundo al suelo” (everybody get down to the floor!).

Although in many countries thought that “the sequence was part of a Berlanga’s film”. It was real. Whilst the Civil guards try to control the Cortes, and their politicians are lying on the floor trying to save their lives, only three men stand up to the coup: Adolfo Suárez, leader of the “transition” and president at that time; Gutierrez Mellado, a former Francoist general; and Santiago Carrillo the head of the recently legalized Communist Party.

Javier Cercas has focused in the audiovisual document, the radio recordings and the King’s discourse at midnight spread out around the world. Related to the positive king’s image, the author insisted that "although the King could have been the ideal person to be behind the coupe, he wasn’t” affirmed categorical.

To Cercas the hardest part of the book was when he had to write that “nobody did anything” and that was caused by “the civil war in the Spanish mind”. The political situation was very difficult. That year a lot of people were killed by ETA; Spain was in the middle of a deep economical crisis and only 40% of civilians believed in the Democracy. “The coup could be work by the politicians at that moment and because the Democracy was very weak” pointed out Cercas.

The main purpose of this book, as Cercas said, is to “try and talk about historical conquest within Spanish Democracy and literature”. The book is a non-fictional work, a historical and a chronicle work “because historians need the imagination to understand things” related Cercas. Furthermore his aim was to experiment with the form, that is why it “is a strange book, although I have not invented anything, I wanted to imagine how they felt".
Javier Cercas is a novelist, a short-story writer and columnist. He is author of the novel "Soldiers of Salamis", which sold more than a million copies worldwide. His books have been translated into more than twenty languages. The Anatomy of a moment has been translated into English by Ann McLean and is published by Bloomsbury.

miércoles, 9 de febrero de 2011

Art on the Table, Spanish Contemporary Art show at the Cervantes Institute

The curator Marisa Gonzalez in collaboration with the Cervantes Institute presents a show with the most relevant local artists every three months and under a subject. In this occasion, the pretext is the Art on the table with the followings artists; Greta Alfaro, Lynne Collins, Natuka Honrubia, Matt, Anak & Monoperro and Marisa González.

La Comisaria de la exposición Marisa González, en colaboración con el Instituto Cervantes quieren ofrecer trimestralmente arte contemporáneo de artistas locales bajo un título. En esta ocasión, y con el pretexto del arte del comer, se presenta los trabajos de los artistas; Greta Alfaro, Lynne Collins, Natuka Honrubia, Matt, Anak&Monoperro y la misma Marisa. La exposición estará abierta al público hasta el 11 de marzo.
Según la comisaria, Londres es la plataforma ideal para descubrir y crear arte contemporáneo. Por este motivo los artistas presentados ofrecen una visión muy particular sobre la manera de hacer arte. Cada uno tiene una trayectoria y una experiencia diferente a la hora de crear.

Anak&Monoperro se han juntado para dos proyectos; “vender poderes” y “tesoros urbanos”. Los artistas están creando “una red de tesoros urbanos enterrados por ciudades”. Hasta el momento han hecho dos tesoros que han enterrado en dos partes del mundo, Tesoro de los Miedos y Tesoro del Destino. La tarea de enterrar tesoros no es fácil, “algunas veces es peligroso y sucio” añade Monoperro.

Los tesoros eligen a los artistas. Después de enterrados, la idea es dibujar un mapa que será encerrado en un sobre y que a su vez, será enmarcado para ser vendido finalmente en una galería de arte. Un tercer momento sería ir a buscar el tesoro enterrado.

La artista Greta Alfaro se siente muy identificada con el proyecto Arte sobre la mesa. En esta ocasión ha presentado su video In Ictu Oculi con el que ganó en 2009 el IX premio de fotografía de El Cultural. El video de 19 minutos muestra una mesa en medio del campo llena de comida y carne que será devorada por unos cuarenta buitres. La obra será expuesta próximamente en el Centro Pompidou de Paris.

A Greta le gusta trabajar sobre la “vulnerabilidad de la vida y la diferencia entre la vida pública y privada”. En sus obras se ve una gran influencia sobre el bodegón en su máxima expresión. Pero sobre todo para trabajar le invade la premisa “La vida es breve”.

Natuka Honrubia, lleva muchos años en la ciudad de Londres (1997-2010), se dedica básicamente a la escultura y más recientemente al dibujo. Le interesa el cuerpo y las mutaciones que este puede llegar a sufrir. En la mayoría de sus trabajos el modelo es su propio cuerpo y otras esculturas son objetos realizados en cera, bronce y poliéster. Lo que más le gusta a Natuka es “reírme conmigo misma y de mi trabajo” asegura.

Marisa González, terminó sus estudios superiores de piano en el conservatorio de Bilbao y continuó en Madrid con Bellas Artes. A principios de los setenta se traslada a Chicago y Washington para estudiar sobre los sistemas generativos empleados en el arte.

Es pionera en la aplicación de nuevas tecnologías de la reproducción en la creación artística. Le interesa la tecnología, la conciencia social y el reciclado. En cada obra suele estar inmersa durante uno o dos años.
En su último trabajo habla sobre la violencia de la mujer. En este sentido retrata a las mujeres Filipinas (unas 120.000) que trabajan en Hong Kong en el servicio doméstico y que cuando se reúnen en su único día libre que es el domingo lo hacen en el Banco HSCB. El espacio que crean, sus canticos y sus comidas son fotografiados y grabados para crear espacios inauditos.

Para la exposición ha presentado su obra Transgénicos. Un proyecto realizado con cámaras analógicas y digitales para registrar la transformación de 500 limones en sus diferentes estados de putrefacción o deshidratación. La experiencia con los limones es una metáfora del cuerpo, de su mutación a lo largo de los años.

miércoles, 2 de febrero de 2011

Art Spiegelman Gran Premio 2011 en el Festival de Comic de Angulema

El Jurado del Festival más importante del mundo del cómic, Festival de la Bande Dessinèe, (Francia) ha galardonado con el Gran Premio de la Villa de Angulema al dibujante americano Art Spiegelman por toda una trayectoria artística. En 2012 el genial dibujante será el Presidente del Festival y además los amantes de la historieta podrán disfrutar de una gran exposición dedicada a su obra, mesas redondas y actividades relacionadas con el autor.

Art Spielgelman nace en Estocolmo (Suecia) en 1948, ciudad elegida por su madre y padre, judíos de origen polaco y víctimas del campo de exterminio de Auschwitz. En 1951 toda la familia emigra a Nueva York, ciudad que verá crecer al artísta, dibujante e ilustrador. Art estudia Arte y Diseño en la Escuela de Arte y diseño de Manhattan y en la Universidad de Binghamton. En 1960 y bajo el seudónimo de Skeer Grant publica sus primeras historietas, "Funny Animals", "Bizarre Sex" y "Roxy Funnies". Durante los 70 cabe destacar otras obras como "Villainy and Vickedness" y "Ace Hole".
Spiegelman no solo es un dibujante prolífico sino también ha sido co-director de varias publicaciones. Junto a su mujer Françoise Mouly crean en 1980 BREAKDOWNS una colección donde publica sus pequeños trabajos de comic y Raw Books and Graphics en la cual publicaron algunos de los dibujantes más famosos del momento. Es en esta revista donde empezó a divulgar Maus, obra que posteriormente le dará la fama mundial y con la que gana dos Premios Pulitzer. El famoso comic cuenta la historia autobiográfica de su familia en los campos de exterminio, y posterior emigración a los Estados Unidos. La obra en sí también es una evolución del propio artista como dibujante que a través de las viñetas además libera sus miedos.

En 2004 publicó “The Shadow of no Towers” (Random House: Pantheon Books) en Español, “Sin la Sombra de las Torres” (Norma Editorial). Una obra para explicar su particular visión sobre el 11 de septiembre de 2001 con los atentados y posterior derrumbe de las Torres Gemelas de Manhattan. En 2009 llega “BE A NOSE!” (2009) Un precioso libro con tres volúmenes de coleccionista sobre bocetos del autor editado en McSweeney’s y por la editorial Mondadori en España.

Art Spielgelman también posee además del Gran Premio de Angoulême y el Pulitzer otros premios como el Premio Eisner y el Premio Harvey convirtiéndole en una leyenda viva del cómic y la ilustración.

BD Angulema, más que un Festival
Los amantes de la historieta tienen cada año su cita en bonita villa de Angulema donde se celebra el Festival más importante de cómic Internacional. En esta pequeña ciudad situada al sudeste de Francia, se reúnen cada mes de Enero en torno a mil autores acreditados y alrededor de 100 editoriales se dan cita para mostrar algunas de las historietas producidas alrededor del mundo pero principalmente en Francia y Europa.

El Festival comenzó de la mano de tres amigos aficionados al cómic en 1972 y logró reunir a algunos de los dibujantes más famosos del momento alrededor de una exposición titulada Diez Millones de Imágenes. Dos años después, en Enero de 1974 Hugo Pratt inauguró la primera edición con un cartel. En 1982 se creó el taller Escuela de la Bande Dessinèe y desde entonces, la ciudad se ha convertido en el centro de la imagen y de la Historieta del mundo.

Cada año el jurado del festival otorga un total de 14 premios en diferentes categorías con la intención de recompensar la labor de las mejores obras publicadas en Francia durante el año anterior. Desde 2004, el premio más importante es el Grand Prix (Gran Premio) que se condece a un autor/a por el conjunto de su obra y además se convertirá en Presidente del Festival hasta el próximo Festival.
Otros Premios son: Al Mejor Albúm (Fauve D'Or) que fué a parar a Manuele Fior con Cinq Mille Kilometres par seconde (Editions A Trabile), el libro cuenta la historia de amor entre dos treintañeros, Piere y Lucia.
Premio del Público (Prix du Public) Le Bleu est une coleiur chaude, escrita y dibujada por Julie Maroh ((Edt Glenat), el trabajo de Julie aborda la homosexualidad con mucha delicadeza. Premio Especial del Jurado (Prix special du Jury), David Mazzucchelli con Asterios Polyp (Edtions Casterman), el protagonista del libro sufre una crisis intelectual y moral en la america actual.
Premio a la Mejor Serie (Prix de la Sèrie) Il Etait une fois en France. Vol 4. Aux arme Citoyens! (Edt Glenat) de Sylvain Valé, La historia se desarrolla en 1944 después de la llegada de los Nazis a Francia y cuando el protagonista Joseph Joanovici se enrola en la resistencia.
Premio del Patrimonio (Prix du Patrimoine) Bab - El - Manded de Attilio Micheluzzi (Edt Mosquito) y el Premio Juventud (Prix Jeunesse), Le Chronokids T3, de Zep, Stan y Vince (Edt Glenat).
El primer premio concedido en el Festival durante 1989 y 2003 tuvo el nombre del último álbum del dibujante Belga Hergé titulado Alpha-Art.

viernes, 17 de diciembre de 2010

Emilio Romero: “El teatro es una herramienta expresiva para hacer preguntas fundamentales a la sociedad”

Emilio Romero (Valencia) es desde hace tres años y tres meses director de la facultad de interpretación y dirección, en Inglés director de Performance, en una de las escuelas de arte dramático con más prestigio del mundo, la Rose Bruford College de Londres.

A Emilio Romero siempre le interesó ser actor aunque a su madre y padre le hubieran gustado que fuera abogado. Estudió en la Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Valencia (ESAD) bajo la directriz de Antonio Díaz Zamora. Interesado por un panorama más amplio del teatro decide hacer las maletas y venir a Londres a principios de los años 80 para estudiar precisamente en la escuela que le ha visto crecer.

En 1987, tras una audición es aceptado como estudiante en el Rose Bruford College convirtiéndose en el primer español en entrar en esta acreditada escuela donde se han formado actores de la talla de Gary Oldman (Drácula de Francis Ford Coppola). Y todo hay que decirlo, por aquellos años el centro no aceptaba a extranjeros, ya que entre otros motivos era imprescindible el dominio del inglés.

Los años de estudiante fueron dedicados a actuar y a escribir obras junto con otros alumnos además de aprender sobre el teatro físico, gestual y visual. Según Emilio, en la España de los ochenta, las distinciones entre teatro físico y teatro textual no se habían acabado de explicar claramente, "además de contar con una oferta limitada de escuelas y una pedagogía poco actualizada", aclara.

El teatro Inglés bebe del teatro shakesperiano, por eso siempre en la escuela hay un bloque dedicado al gran dramaturgo. Asimismo, también ha tenido un teatro de vanguardia desde el teatro de Penter Harold, premio Nobel de Literatura 2008, pasando por Samuel Becket con el teatro de lo absurdo, además de contar con otra serie de autores que se forman en el teatro de la Royal Court y que se dedican a la escritura dramática. La característica del teatro inglés se basa en el entrenamiento y principalmente en la técnica, “el actor en España se formaba en tablas, mientras que en Inglaterra los actores vocalmente, actoralmente y corporalmente están más entrenados” puntualiza.

Después de los años de estudiante pasó a ocupar el puesto de director de Teatro Europeo en el Rose Bruford durante diez años. La carrera de Teatro Europeo está basada en la innovación europea, o lo que es conocido como avant garde y el teatro visual o teatro de nuevas tendencias. Para Emilio esta combinación ha sido muy importante en la escuela “porque se influyen continuamente en una relación dialéctica” matiza. Actualmente, a través de su nuevo cargo desempeña una misión administrativa y artística. Desde su decanato gestiona siete licenciaturas, además de una escuela de verano, teatro infantil y las clases para adultos.

Imaginación y talento
Para entrar en la escuela lo único y más importante que se necesita es “la imaginación y demostrar que esto es lo que quieren hacer” afirma. Luego dependerá de la licenciatura a elegir hay que pasar una audiencia basada en una o dos pruebas de texto, más la entrevista y el taller de voz y cuerpo. En total la escuela tiene unos 700 alumnos de todo el mundo. Y es una de las mejores escuelas Internacionales de arte dramático en la que dan clases los mejores profesionales del mundo del drama.

La esencia del teatro clásico griego al teatro actual a penas a cambiado en dos mil años. El teatro es en si “una herramienta expresiva para hacerle preguntas fundamentales a la sociedad” afirma rotundamente. Lo que sí ha cambiado es el estilo y el contexto en el que se realiza, "ahora hay un tipo de teatro más específico que el director hace para ese teatro”, añade. Hoy en día existe una cuantiosa variedad de teatro, en ciudades como Londres o Berlín donde la diversidad es asombrosa, “Lo que existe es la variedad interdisciplinaria como puede ser la danza y el teatro, la música o todas las disciplinas mezcladas e incluso el circo de diversas maneras. Esto le ha dado al teatro una riqueza extraordinaria” explica.

Las condiciones espaciales en el teatro griego eran otras. Un anfiteatro congregaba a miles de espectadores al aire libre. Actualmente esto ha cambiado. Algunas veces se da este tipo de espectáculo como el teatro de Sagunto (Valencia). Pero sobre todo la gran diferencia radica en la movilidad de las compañias de teatro para viajar por todo el mundo, “todos estos cambios han sido muy radicales para la historia del teatro” aclara con solemnidad.

Para Emilio es difícil decantarse por nombres relevantes en el teatro actual, pero por citar dos autores ingleses se decide por; Simon Stevens y Martin Crimp ya que reflejan los problemas actuales de la sociedad. En España, Angelica Liddel (Belgrado, Canta lengua el misterio del cuerpo glorioso, 2008), Sergi Belbel (A la Toscana, 2007) o Rodrigo García (El payaso McDonald’s 2003) son algunos de los autores innovadores en la dramaturgia contemporánea.

Cada año, algunos de los escritores más destacados del panorama del teatro español pueden verse de la mano de Plácido, de la Editorial Caos de Madrid y Emilio Romero. El próximo encuentro tendrá lugar en Mayo 2011.
Rose Bruford College, www.bruford.ac.uk

lunes, 22 de noviembre de 2010

London Discovering Latin America Film Festival presents Revolución (México 2010)

Revolution is a new cinematographic proyect made by ten wellknown mexican film makers to celebrate the 100th anniversary of the Mexican Revolution. The proyect was suggested by Gael García Bernal and Diego Luna, both focusing in their directorial career, try to explain and reflect some of the events to started the revolution. The screen also pretends to change the mexico's image.

Revolución es el nuevo proyecto cinematográfico realizado por diez aclamados cineastas mexicanos para celebrar centenario de la Revolución Mexicana. El proyecto propuesto inicialmente por Gael García Bernal y Diego Luna, los cuales centrados últimamente en la dirección cinematográfica, pretenden explicar algunos de los hechos que originaron la revolución para dar una nueva imagen de México a través del cine.


La presentación de la película se realizó en el auditorium de la Tate Modern de Londres el pasado lunes 22 de Noviembre y contó con la presencia de la cineasta mexicana Patricia Riggen y del escritor y crítico de cine Leonardo García Tsao. Patricia Riggen habló de su corto Lindo y querido, una comedia que cuenta la historia del traslado de un inmigrante mexicano que tras de vivir 30 años en EEUU se muere y su hija y tia deben de enterrarlo en México. Una historia real ya que como cuenta la canción, ningún mexicano se enterrará fuera de México.


La muestra forma parte del DLAFF Discovering Latin American Film Festival que tiene lugar en diferente cines de Londres desde hace nueve años.




miércoles, 26 de mayo de 2010

Wen Wu, looking for the Beauty

Wen Wu is a painter based in London interested in beauty and the Spanish Baroque painter Diego Velázquez. She started painting the female beauty whilst the oil western paitings was on her mind and brush. Quirky Beauty, 2007 reflects a series of women posing almost nacked, is a study of the infinit bodie's contour. With Woman in mind, 2008 the woman's hair style from the 18th century is a delicate mix of colours that brings memories of a time long gone.

Recently, he is fascinated in creating a new world through the eyes of her alter ego; a timeless, middle aged gay man. Her first work Gaymade and Eagle 2008, is a combination of canvases with an unsual shapes whith male figures laying down as if they were female. In her latest works StoryBorad Series 2010 and Decadent Dynasty 2010 Wen is interested in describing the ambiguos atmosphere in modern China, such as Dong Dan park in Beijing, a place where gay men meets. Also she is inspired by the Chinese novel Dream of Red Chamber and her passion for films.


Decadent Dynasty exhibition at Sartorial Contemporary Art Gallery, London (26-May - 26 June)


martes, 23 de junio de 2009

Blanca Arrieta, Transmitir con la danza todo lo posible

Blanca Arrieta es la coreógrafa y bailarina más internacional de Euskadi. Formada en Bilbao y Londres, desde los 16 años no ha parado de bailar. Cuando llegó la oportunidad de un proyecto profesional lo dejó todo y empezó a viajar interpretando en compañías como Damián Muñoz, Imlata Dance Company, Momentary Fussion o la Dance Theatre of Ireland. Ahora la podemos ver con Frágil su última pieza sobre mundos sutiles.

A Blanca le gusta pensar en pequeñas historias. Contar lo que nos pasa y narrar las cosas del querer, del dolor y del necesitar. El resultado es una mezcla entre lo abstracto y lo narrativo con una puesta en escena limpia y sin rodeos. “Quiero que cada segundo nos vaya llevando y nos dé la información necesaria. Soy muy exigente y ahí está el reto” explica. Para Blanca lo importante es hablar del lenguaje de la danza, la comunicación con el movimiento y de las posibilidades físicas de los cuerpos, “busco material coreográfico que ponga al bailarín en una situación concreta y que en cada ejecución, no tenga opción. Me gusta esa inmediatez, ese ser generoso en escena” comenta.

En 2006 nace su compañía Ciento Cincuenta Cuerdas/ Blanca Arrieta. Una apuesta que surge tras el espectáculo Silver Snot la obra creada por los bailarines y John Scoot, director de la Irish Modern Dance Theatre. Desde entonces han realizado siete obras, la primera, un solo corto Efecto Mariposa para expresar la necesidad de un equilibrio. Un año después vino Rest sobre la muerte y el vacío. Y otro solo corto, En la ciudad de los ángeles estrenado en el Museo Guggenheim de Bilbao.

“Mundos que caen constantemente y necesitamos volver a levantar”
Cada proyecto va creciendo de forma personal. Es diferente, casi como empezar de cero. “Pero casi, porque siempre hay algo en común, y supongo que esto es la propia forma de ver el mundo, que evoluciona, pero no cambia. Hay un algo ahí que permanece” asegura Arrieta. Con un gran equipo por detrás, las obras desde su origen son una unidad “La luz, el espacio sonoro, el vestuario, son elementos tan importantes como el cuerpo” añade.

Frágil es una pieza creada en co-producción con L’Agora de la Danse de Canadá. En escena cuatro bailarines se mueven bajo el asesoramiento artístico de Blanca y Kathy Casey directora artística de la Montréal Dans. En palabras de Blanca Frágil muestra como “cuatro insólitos individuos construyen con delicadeza su particular mundo. Un mundo al que pertenecer y donde no se puedan sentir extraños. Mundos que se rompen y quiebran con facilidad, en un instante, con cualquier golpe o suceso inesperado. Mundos que caen constantemente y necesitamos volver a levantar”.

Podremos ver Frágil el próximo el 6 y 8 de noviembre en el Museo Artium de Vitoria y en el teatro La Fundación de Bilbao. La obra Estará de gira durante un año actuando en diferentes festivales internacionales

domingo, 15 de marzo de 2009

Vicente Todolí director of theTate Modern in Londres

VICENTE TODOLÍ. (Palmera, Valencia 1958) Has been director of the Tate Modern in London since April 2003. His hard work in running the modern art gallery has make him a driving force in the capital´s cultural scene, having transformed an old electricity power station into a must see destination for lovers of art from around the world. His journey began in 1980, when he went to New York with the Whitney programme. Afterwards came Italy, Spain again and Portugal. From 1986 to 1988 he made his debut as director of the Instituto Artístico de Arte Moderno (IVAN) in Valencia, and in 1993 went on to run the Serralves Foundation's modern art museum in Oporto. Vicente Todolí puts as much passion into researching the world of new artist as he does into preparing exquisite dinners for his friends from Valencia and London. With his passion for art, history and stories he welcomed us into his office as he sat on his desk reading a magazine.
Azucena Monge/ Babylon Magazine: How do you feel about the Tate Modern being one of the most visited art galleries in the world?
Vicente Todolí: It has its advantages and disadvantages. Being popular is not a measure for succes. What is important is that we are respected and admired by our colleagues and the artistic community. If one were to simply focus on boosting numbers, that would be the first symptom of failure: the risk of dying from success.
BM: How do you measure the succes of an exhibition?
VT: There is not a magic formula. When you draw up the programme you cannot to it like a television company. We don´t measure the success of an exhibition by numbers of visitors. You have to wait for years to know what the effect is.
BM: What characteristics does a work need to be exhibited at the Tate Modern?
VT: We look at the history of art from the 20th and 21st centuries from a contemporary point of view. We are not just a gallery of modern art. We also have a modern point of view. Each time we stage an exhibition: we look to do something new, through the vision of an artist or a movement. Repeating something that´s already been done, we don´t do. Every exhibition seen at the Tate Modern is unique. It is not enough just to set up an exhibition for a famous artist.

BM: What stage have you reached with the Tate expansion project scheduled for 2012?
VT: At the moment we are trying to arrange the funding to carry it out. We are following plans, but we won´t start building until we are guaranteed the money.

BM: What will be able to see in the new extension?
VT:
I don´t like to plan that far ahead. Americans do, but we don´t. We know the type of things we want, but not the exact contents. Within this framework there will be more space for looking at exhibitions of drawings, performances and installations...but what type of photography or what installations is still to be decided.

miércoles, 4 de febrero de 2009

ENTREVISTA A CILDO MIRELES. Premio Velazquéz 2008 de las artes plásticas. Una muestra de su obra viaja de Londres a Barcelona

"El arte tiene que seguir luchando contra la tiranía.
Y en este gran compromiso se encuentra la Libertad"
Cildo Mereiles (Río de Janeiro 1948) artista pionero del arte Conceptual de Brasil expone su obra en el Museo de Arte Comtemporáneo de Barcelona, MACBA hasta el 26 de abril. Recientemente se ha podido ver una retrospectiva de su trabajo por primera vez en la Tate Modern de Londres. La exposición presentará instalaciones, dibujos y objetos , un recorrido de sus obras creadas desde 1967 hasta el 2008.
Cildo es un artista del mundo, sencillo y afable. Posisitivo. Comprometido y comunicativo que cautiva al espectador cuando ve su obra. Dice que si hay un lugar para el arte este es el de la memoría y el corazón. Lo importante es seguir investigando nuevos lenguajes para comunicar sentimientos. Hacer grandes obras con lo mínimo. Su paso por Londres ha sido un exito. La exposición cuenta con instalaciones donde el espectador interactua con los objetos. Son pequeños mundos simbólicos donde el sonido y el tacto juega con el público.
Los dibujos pertenecen a un periodo de su vida cuando dibujaba compulsivamente y quería hacer películas. La obra de Cildo Mereiles es legado del Neo-concretismo, movimiento Brasileño de arte a fianles de 1950. Durante la postguerra emergerá un grupo de artistas, como Helio Opticica, Lygia Clark, Artur Barrio -entre otros- que junto con Cildo crean el Arte Conceptual en Brasil. Entre 1970 y 1975 su trabajo artístico es activamente político contra la junta militar impuesta. El árbol del dinero de 1969 o Intersecciones en circuito ideológico, Proyecto Coca-Cola de 1970 son obras donde el mensaje integra un discurso político y poético. Tras la espera aparece Cildo Mereiles con cierta prisa. La exposición recién finalizada debe partir hacia Barcelona. Hay mucho trabajo que hacer, piezas dañadas que reponer. Sentados en la cafería del cuarto piso de Tate, tomamos un café miestras me cuenta datos de su obra
"los artistas deben evolucionar sobre sus propios procesos a través de una inquietud".
Desde siempre le gustó dibujar. El primer recuerdo que tiene, en el que confirma que de mayor quiere ser artista, es una historia muy bonita que transurrae en Campinas, Brasil, en la casa de su abuela donde vivió durante una temporada. La abuela Otilia trabajaba como dulcera. Los dulces que hacía luego los vendían en las fiestas. Otilia También trabajaba como costurera. En aquél tiempo no había dinero para comprar juguetes por eso los construían con los ovillos de coser de la abuela. Una tarde, Cildo vio a un hombre que pasaba muy cerca de donde el estaba jugando. El caminante parecía que buscaba un sitio para pasar la noche, porque se quedó preparando el terreno cerca de la casa de la abuela. Por la noche, Cildo asomado en la ventana vió el resplandor del fuego que había hecho aquél extraño hombre. A la mañana siguiente, se acercó para ver aquél sitio que había elegido el caminante. Cuando llegó se encontró al aldo de la hoguera apagada, una casita hecha de restos de madera. La pequeña obra tenía hasta ventanas y puertas. Todo en miniatura. El hombre había construido durante la noche una pequeña obra que dejaría allí en plena naturaleza, a la vista de cualquier caminante. Arte efímero. Este detalle le emocionó mucho y le abrio los ojos a la creación.

lunes, 2 de febrero de 2009

FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA BANDE DESSINNÉ DE ANGULÊMA

Desde hace 35 años la Villa de Angulema acoge al Festival más prestigioso del mundo del cómic. Este año 2009, el premio de Angoulême ha caído el autor Christian Hincker 1967 de Estrasburgo Blutch quien será presidente del Festival el próximo año.
El resto de premiados fueron: Premio esencial de revelación es Le Goût du Chlore, de Bastien Vives y el Premio esencial Patrimonio: Operation Mort, de Shigeru Mizuki. Premio Goscinny: Groenland Manhattan, de Chloe Cruchaudet. Premio Esencial FNAC + SNCF (premio del público): Mon gras et moi, de Miss Gally. Esenciales de Angoulême:Tamara Drew, de Possy Simmonds, Le Journal d’un ingenu, de Emile BravoLulú femme nue, de Étienne Davodeau y Le Petit Christian, tome 2, de Blutch Martha Jane Cannary, tome 1, de Blanchin y Perrissin

El principal premio del Festival tiene por objetivo convertirse en referente en el noveno arte. Un Oscar para este sector de la Industria cultural. El festival está costeado por FNA y SNCF que junto con la taquila costean dos tercios de los gastos. El evento cuenta con una sección de Los Talentos que a lo largo de la historia del festival ha premiado a grandes dibujantes como Franquin, Moebius, Eisner, Zep o el mismisimo Hugo Pratt y desde hace unos años cuenta con un amplio espacio dedicado a los mangas de procedencia asiática.

ERIKA LUST, CINE PORNO PARA ELLAs

Erika Lust (Suecia 1977), es la nueva directora de cine porno que las mujeres queremos . Su primera película "Cinco Historias para ellas" ha recibido varios premios, entre los cuales está el premio a la Mejor Película del Año en los Feminist Porn Awards de Toronto (2008). Su libro "Porno para mujeres, una guía sexual" recientemente publicado es una guía para entender el cine porno. Periodista, feminista, investigadora, guionista y directora de cine, Erika irrumpe en la industria del porno abriendo una productora que lleva su propio sello, LustFilms y que dará mucho de que hablar.

La directora hace cine para que las mujeres también disfruten del porno y sobre todo para cambiar la imagen de la mujer en esta industria dominada por los hombres. Sus historias son altamente eróticas sensuales y con música evocadora. Erika estrenó su primer corto en 2004 con “The good girl”. Después le siguió  “Five stories for her” (2007) (Cinco Historias para ellas).

Para Erika Lust el cine porno es un discurso que habla de la sexualidad de hombres y mujeres y cómo se relacionan sexualmente. Una industria donde la mayoría de espectadores son los hombres. Aunque también hay mujeres que les interesa el porno pero sin embargo no se atreven con lo que hay en las tiendas. Y todo porque el porno generalmente está dirigido al público masculino.

Las representaciones de mujeres en estos films no son reales. Las protagonistas aceptan hacer felaciones y ser manoaseadas sin previo aviso por un hombre que acaban de conocer. Lo mismo puede ser el cartero, como el butanero, o el electricista, cualquiera vale. Son películas sin guión, donde abundan los primeros planos y las acciones repetitivas". Pura Carne. Por este motivo, Erika Lust ha afirmado en varias ocasiones que es muy peligroso dejar el porno en manos exclusivamente de los hombres.

Esta es la razón por la cual los guiones de la directora cuidan todos estos detalles. El estilo de hacer cine de Erika es innovador. Las secuencias están repletas de planos largos donde la composición es muy importante. En sus films también es fundamental la música. Hasta el momento ha trabajado con mujeres cantantes de Barcelona como Iris o Misomasex Project. 

jueves, 27 de noviembre de 2008

KATHERINE HAMMETT, La Moda no sólo viste

Durante los años ochenta empecé a diseñar ropa de hombre, de mujer, accesorios y sobre todo, camisetas básicas con mensajes sociales y políticos tales como “Salvar el mundo”, “Educación, no misiles”, “Utiliza la Democracia”, “Stop al tráfico de seres humanos”. Fue una apuesta que me ha convertido en la diseñadora más copiada del mundo y es algo que me enorgullece. Creo que la moda no solo viste. Cuando me dí cuenta de que la industria textil, de zapatos y de ropa era responsable de contaminar el medioambiente y que muchas personas trabajaban en condición de esclavitud, pensé que podía hacer algo. Este es el principal motivo por el que empecé a trabajar a través de slogans que pudieran dar voz a personas que no tienen poder. A través de nuestra ropa hablamos al mundo y decimos que es lo que nos gusta o nos gustaría ser. Sinceramente pienso que actualmente la persona más influyente en la moda es Barack Obama porque muestra unos valores de cambio que todo el mundo necesita. Veo la moda como una filosofía ya que en cada parte del mundo las personas reflejan valores a través de la ropa.

La moda muestra como es la cultura a la que pertenecemos. Por ejemplo, cuando estuve en España a finales de los años setenta, me dí cuenta de que la mayoría de la gente iba vestida de negro. Este color me transmitió la idea de luto en una sociedad que había vivido momentos muy difíciles, una tristeza en la que el color no tenía espacio. Por suerte las cosas han cambiado mucho en España convirtiéndose en uno de los países más desarrollados y modernos de Europa. Me encanta España y su gente.

En Inglaterra el mundo de las pasarelas siempre ha sido muy importante. Es un país donde se encuentran los mejores colegios del mundo para estudiar diseño de moda y para estudiar diferentes técnicas de corte. La moda forma parte de nuestra cultura. Desde muy pequeños jugamos a experimentar y a combinar la ropa y los colores, quizá influenciados por otras culturas como la hindú. Todo esto hace que la gente sea muy creativa vistiéndose. Por otro lado, la moda inglesa es muy individualista y toma todo tipo de direcciones donde la fantasía, la imaginación y las diferentes referencias culturales ofrecen una gran variedad estilos para mostrar lo que cada persona puede querer.

En 2003 me frustré mucho tratando de cambiar el Instituto de la Moda desde dentro, una batalla que empezó a finales de los ochenta. Como es muy difícil luchar contra la industria decidí romper todos mis contratos y dejamos de ser una compañía de moda para ser una organización de campañas. El cambio se basa en educar a los consumidores y diseñar ropa 100% algodón orgánico. Actualmente estamos trabajando en un estilo de ropa sostenible con precios asequibles. Pienso que estamos inmersos en una crisis y la gente necesita comprar cosas buenas y baratas.

lunes, 10 de noviembre de 2008

EL VICTORIA AND ALBERT MUSEUM ACOGE LA CAMPAÑA, NOW MADRID

El Victoria&Albert Museum de Lodres acoge Now Madrid, una campaña organizada por el Ayuntamiento de Madrid para promocionar en el Reino Unido la moda, la gastronomía y el turismo de la capital durante las Navidades. La presentación fue de la mano del delegado de Economía y Empleo, Miguel Villanueva, la diseñadora Ágatha Ruíz de la Padra y el cocinero Sergi Areola.

En el evento se pudo ver a través de una exhibición una muestra de moda de la Asociación de Creadores de la Moda de España. Así como la presentación de la Nuevas Luces de Navidad para Madrid diseñadas este año por algunos de los principales diseñadores españoles como Ágatha, David Delfín, Deboto & Lomba. Para promocionar el sector gastronómico, el cocinero Sergi Areola se encargó de preparar un menú de tapas típicas de madrileñas en la que no faltó la tradicional toma de uvas.

viernes, 24 de octubre de 2008

JORNADAS DE LECTURA DE TEATRO ESPAÑOL EN LONDRES

CUATRO DRAMATURGOS ESPAÑOLES EN LONDRES

Este es el cuarto año que las obras teatrales de consagrados dramaturgos españoles son traducidas y representadas en el Rose Bruford College de Londres. La idea surgió de Plácido Rodríguez editor de Caos de Madrid que junto al Ministerio de Cultura Español y la Asociación del Euro Theatro presentan las obras de autores relevantes del teatro Español en Gran Bretaña. En la convocatoria participaron los trabajos de Verónica Fernández e Ignacio del Moral, Angélica Liddel y Alfonso Vallejo.

Plácido Rodríguez llamó un día a Emilio Romero, decano del Colegio de Drama Rose Brufrod, en Kent (Londres). El motivo era la propuesta de promocionar el reciente teatro español mediante una traducción al inglés. Las obras seleccionadas Pero muerto en tintorería, los fuertes de Angélica Liddel, Culpable de Alfonso Vallejo y Presas de Verónica Fernández e Ignacio del Moral, fueron leídas por profesionales del teatro Ingles entre los días 21 al 23 de octubre en el Teatro Rose del College. La novedad de este año fue una maratón de lecturas en el Soho Theatre, de Londres con la presencia de los Medios de Comunicación, profesionales, productoras y programadores del Teatro Inglés.


“Todo escritor debería de ser un gran poeta”

Angélica Liddel, Figueras (Gerona) escribe desde los seis años y comenta que lo hace por frustración. Ha publicado nueve obras de teatro con títulos como La falsa Suicida (2000), Mi relación con la comida (2005) y Belgrado (2007) y en poesía un volumen de poemas titulado Los deseos de Amherst (2008). Sus obras teatrales se han representado en varios países del mundo y han sido traducidas a varios idiomas. Recientemente ha obtenido el premio Notodo al mejor espectáculo del 2008 y II Premio Valle-Inclán de Teatro 2008.


“El teatro es el diagnóstico y el remedio”

Alfonso Vallejo, Santander (1943) escribe desde muy joven porque siempre le interesaron las ideas y los conceptos y porque como dice “Expresarse es vivir es la independencia y la autonomía”. Su profesión como Doctor en medicina y especialista en neurología no le ayuda a desvelar los entresijos de la mente humana, así es como el teatro se convierte “en el único modelo experimental para conocer al ser humano”. Estos son los motivos por los que escribe, y lo hace concienciadamente ya que en su haber ha publicado más de cincuenta obras teatrales algunas de ellas representadas en varios países y traducidas en distintos idiomas. “El teatro es el transcender” apunta. Durante su estancia de trabajo en Londres se aficiono a ver todo tipo de teatro y exposiciones de pintura, otra de sus habilidades. Alfonso también es poeta ha escrito 17 volúmenes de poesía y fue Premio Nacional Lope de Vega 1976, Premio Nacional Tirso de Molina (1978) y Premio Fastenrath de la Real Academia Española (1980). Para Alfonso, su único maestro ha sido la realidad, y dice que el escritor que no escriba para actores no es escritor.


“Escribir es lo único que sabe hacer”,

Lo dice Ignacio del Moral que junto a Verónica Fernandez presentaron la obra titulada Presas escrita por encargado de Ernesto Caballero cuya premisa fue que había quince chicas y cinco chicos en el reparto de papeles. Partiendo de este punto, hicieron un barrido histórico realizando una profunda documentación y centrando su atención las cárceles Españolas de los años cuarenta. Unos hechos ocurridos no hace mucho tiempo que no se pueden olvidar que contándolos ayuda a comprender el horror, la crueldad y la miseria humana. Presas es una obra que genera una dinámica personal, con preguntas e inquietudes.

miércoles, 22 de octubre de 2008

FRIEZE ART FAIR 2008, Londres

Frieze Art Fair, es la Feria de arte más importante de Londres. La feria se celebra en octubre y toma sitio Regent's Park. Cada año acude a ella, galerias de todo el mundo con la muestra de obras artistas contemporáneos más relevantes de la actualidad. Este año, España estuvo representada con las galerias de Juana de Aizpuru, Helga de Alvear, Pepe Cobo y una delegación del Museo de Arte Contemporáneo MUSAC de Leon.
Algunos de los artistas Españoles que tuvieron espacio en estas galerías fueron Dora García Alberto García Alex y Priscilla Monge. Frieze Art es una oportunidad para dar a conocer las obras de artistas que como el desaperecido Juan Muñoz se exhiben sus obras en museos como la Tate Modern de Londres.
En uno de los stands se encontraba la galería de arte de Daniela Luna llamada Appetite. Un espacio caótico, muy punki donde expuso la obra de los artistas que representa. En el momento de descubrir el stand, Daniela y Diego de Aduriz se encontraban en pleno happening comiendo pastas con un té en el suelo repleto de basura y objetos de todo tipo. Al stand, como era de esperar, se acercó la seguridad de la feria para advertirles que algunos de los papeles que sobresalían del suelo podían causar algún accidente. La galería de Daniela Luna, Appetite es según el New York Times, "una de las mejores galerías de arte irreverente, y punki emergida en New York desde hace mucho tiempo". Appetite también está es Chacabuca, Argentina de donde es Daniela. http://www.appetite.com.ar/